Viernes, 26 de octubre de 2012. Espacio verosímil II

Tal y como estuvimos trabajando el jueves con el espacio de la clase hoy continuaremos con él. 

El espacio es algo muy complicado de representar, por tanto vamos a seguir trabajando en ello para poder mejorar. 

En este caso los bocetos previos al dibujo los realizamos con papel de croquis transparente para poder coger de la capa anterior lo que nos interesa y cambiar lo que no nos interesa. 

He podido comprobar la dificultad de la que hablan los profesores al representar el espacio y darme cuenta de que las figuras no encajaban. 

Fotografía del aula

Tercer boceto

Primer boceto

Segundo boceto

Mi dibujo

Mi dibujo

Jueves, 25 de octubre de 2012. Espacio verosímil

Vamos a comenzar con la representación del espacio, que se trata de una tarea bastante complicada y difícil. Para ello vamos a trabajar con el espacio del aula.

Es elemental representar el espacio como lo hace Matisse; acercándonos a él de la manera más emocional y pasional posible.

Las primeras etapas emocionales, son las primeras aproximaciones, aunque después ya se incluirán los elementos técnicos.

Por tanto, vamos a tratar al espacio así como lo hace Matisse, él cual define el espacio a partir de un solo color. 

Vamos a tomar también para realizar el dibujo, posturas frontales, en las que se puedan ver diferentes figuras y el espacio quede definido tanto por la distinción de colores como por la relación de figuras que están en él.

Además el espacio debe ser verosímil, pero hablando del espacio sin hablar de la perspectiva. 

Por tanto, debemos tener en cuenta el color de las figuras, que sea homogéneo con elementos comunes. Por otro lado también hay que tener en cuenta el espacio interior, y por supuesto que también el envolvente. 

Es un trabajo que aparentemente puede resultar sencillo el representar una habitación, pero es un trabajo complicado en el que nos equivocaremos, y haremos y desharemos hasta conseguir algo que sea realmente algo con lo que podamos trabajar para poder definir y darle la forma final. Hay que tantear.

Esta claro que ya hemos pasado dos fases, en las que la primera era una aproximación a la asignatura, para después pasar a una segunde representar figuras y llegar ya al espacio.

Además vamos a volver a los pasteles ya que los acrílicos no funcionan. También vamos a realizar un primer acercamiento a nuestro dibujo tomando unos pequeños bocetos de la imagen que queremos plasmar en el lienzo.

A mi personalmente estos bocetos me ayudan a encuadrar y comprender mejor la relación entre los distintos elementos de la imagen. También es bueno que tomemos una fotografía de lo que vemos por si luego la necesitamos.

Fotografía del aula

Mi dibujo

Mi dibujo

Tramas geométricas. Extrapolaciones

Para continuar con nuestro trabajo de clase vamos a seguir trabajando con Matisse fuera de las aulas. 

Esta vez nuestro trabajo consiste en dos dibujos, uno más libre y el otro más acotado extrapolando distintas partes de distintas obras de Matisse.

El primer ejercicio consiste en coger una obra de Matisse, que se trata de una habitación verde, para desde ella dejándola en un cuarto de nuestro nuevo dibujo trazar uno propio incluyendo también una mujer, dada en este caso, y una mesa a nuestra elección. Además, se pueden añadir distintas partes de otras obras de Matisse.

Mujer para añadir

Habitación verde para comenzar

En este primer dibujo he añadido una mesa y distintas partes de otras obras del propio Matisse.

Obra de la cual he cogido la mesa

Mi dibujo

El segundo ejercicio es un ejercicio libre en el que tenemos que hacer lo mismo que en el anterior pero esta vez cogiendo nosotros la habitación, y todas las figuras ya que no hay ninguna dada de principio.

Yo he tomado como referencia varias obras de Matisse hasta llegar a la composición final de mi dibujo. 

Habitación para comenzar

Partes añadidas al dibujo final

Mesa añadida a mi dibujo

Mi dibujo

Viernes, 19 de octubre de 2012. Figura y fondo II

 Para terminar esta semana, vamos a seguir trabajando con Matisse y centrándonos en la misma idea de ayer de figuras trazadas con una línea continua, o lo más continua posible, con partes humanas y no simples líneas rectas que no tienen que ver con la realidad. 

También debemos seguir buscando esa relación entre figura y fondo, para lo que debemos trabajar a la vez con ambos, no cada uno por separado. Ya que en este caso, figura y fondo se superponen y una no viene dada de la otra.

Las figuras deben ser además esbeltas, como podemos ver en las obras de Matisse las figuras, aunque no tengan las proporciones reales, sabemos que representan realidades que si que tienen esas proporciones adecuadas. 

E igual que el jueves, el espacio viene dado por las tramas de color, es decir que no es un espacio en perspectiva sino que se da por las distintas tonalidades.

Mi dibujo

Mi dibujo

Jueves, 18 de octubre de 2012. Figura y fondo

Esta semana vamos a seguir trabajando con Matisse, pero esta vez vamos a intentar dibujar a un compañero. 

Seguimos trabajando también en la idea de realizar figura y fondo a la vez, no como dos partes separadas y contrapuestas, sino como una parte, es decir, que debe existir una relación entre ambos, trabajándolos a la vez. 

Matisse además, se presenta en el paso del postimpresionismo a la abstracción del cubismo. Y como podemos ver en muchas de sus obras, sobre todo de la parte final de su trayectoria, se van mucho a la esquematización, a representar las figuras lo más esquemáticas posible, con una línea continua.

También, Matisse trabaja sobre una superficie plana, sin perspectiva, no es un espacio profundo, sino que el espacio se define gracias al tratamiento del color. 

Obra de Matisse

Obra de Matisse

 Para realizar nuestro dibujo, primero es necesario coger un papel y trazar los rasgos fundamentales que necesitemos para poder después realizar nuestro dibujo en el papel más grande. 

También debemos jugar con la línea curva, que sea esbelta, ligera y grácil. Para todo esto debemos seguir liberando la mano ya que para estas tareas también es necesario.

Mi dibujo

Primer dibujo

Fondos generativos

Como hemos estado viendo durante estas semanas de clase hay dos líneas distintas de realizar imágenes: las imágenes icónicas que están cerradas desde el principio, en las que la distancia a la figuración es menor; y las imágenes que parten del movimiento, y en las que no reconocemos nada al principio hasta que a partir de las madejas de líneas surgen ciertas formas y se crean figuras.

Llevamos, además, unas semanas de tanteos, que comenzamos con el dibujo de los niños, de los garabatos, con las figuras reconocibles de los tanteos, con las madejas de líneas... Y ahora debemos crear fondos generativos.

Tenemos que crear situaciones generativas, tramas de líneas para después acotar ciertas figuras que solamente pueden ser creadas a través de esos fondos.

Por tanto, debemos producir figuras de un fondo anterior. Figuras que solo puedan surgir de esa forma, que no se podrían crear de ninguna otra manera, solamente a partir de esos fondos.

Como podemos ver en estos dibujos: 

Primer dibujo: trabajado sobre dos capas de pasteles

Fondo realizado con pasteles

 

Mi dibujo

Mi dibujo

Segundo dibujo: trabajado sobre una capa de rotuladores

Fondo realizado con rotuladores

Mi dibujo

Mi dibujo

Tercer dibujo: trabajado sobre tres capas de acrílicos

Fondo realizado con pasteles

 

Mi dibujo

Mi dibujo

Jueves, 11 de octubre de 2012. Generación de figuras

Hoy continuaremos con la producción de figuras después de haber pasado ya por nuestra infancia y varias etapas más de producción de figuras tanto icónicas como abstractas.

La cultura es un sistema de producir figuras desafiando a las anteriores. Y durante todos los siglos anteriores, en el arte, la pintura, se buscaba la rebelión y el intentar desafiar al movimiento anterior.

En la pintura, el arte siempre tuvo mucha influencia bizantina. En el Renacimiento se construyen espacios profundos donde el espectador se puede sumergir, simulan profundidad y dimensión. Las obras del Renacimiento nos transmiten cierta paz y tranquilidad.

Mientras que en las obras del Barroco, se pierde el punto de visto, se crea cierta incertidumbre. Así poco a poco en las obras se fue dando más volumen, más naturalismo... Hasta que llegamos a este movimiento, al Barroco, que intenta romper con las figuras y con el Renacimiento. Se empieza a insinuar la perspectiva, se rompe con las figuras, se controla la luz, es un control real y racional absoluto. Durante el barroco destacan autores como Caravaggio, un gran pintor italiano.

Obra de Caravaggio

También destacamos a "El Greco" (el griego) que se situa en el final del Renacimiento. El Greco rompe con las figuras, y tiene un manejo libre de la luz. 

Obra del Greco

Hasta que después de varios movimientos como el Rococó, el Neoclasicismo, el Romanticismo o el Realismo, surgió el impresionismo. Un movimiento que rompía con las siluetas, con nuevas técnicas de pincelada, con una pincelada suelta. Rompía también con el arte académico, el espacio se fragmentaba y se usaban tonos y colores luminosos, dando especial valor a la luz y la sombra, a los juegos de luces. Se intentaba romper con el dibujo convencional

Así, con el paso de los años, podemos ver el carácter completamente dinámico de la cultura, el hacer y deshacer cosas. 

Hoy nos vamos a centrar en el fauvismo, y más concretamente en Henri Matisse. Este autor rompe con la figuración anterior gracias al uso del color, utiliza colores puros, no mezclados, muy vivos, primarios sobretodo y algún complementario. Lo que hace Matisse es utilizar la contraposición de los colores. Da paso después al cubismo. Es como un preparación previa al cubismo. 

Matisse pinta un espacio inventado con el uso del color. Además, hoy vamos a centrarnos en lo icónico, es decir que el parecido es importante. 

Vamos a realizar un retrato de uno de nuestros compañeros. Se trata de buscar zonas con más o menos luz, sombras, rasgos distintivos, en los que el color tengo un papel fundamental. Para lo que los colores primarios y vivos son muy importantes. Jugar con las luces y las sombras y por supuesto con los colores. 

Obra de Matisse

Obra de Matisse

Mi dibujo

Viernes, 5 de octubre de 2012. Volvemos a ser niños

 El arquitecto es una persona que produce figuras tridimensionales habitables. 

Ayer ya estuvimos trabajando en la producción de figuras, que pueden ser de dos tipos: icónicas ( con un parecido visual) y abstractas. 

Además estuvimos indagando en el arte de los niños, que pasa por dos etapas: la exploratoria, el momento en el que se comienzan a hacer garabatos, es una operación de tanteo, de balanceo. Y una segunda etapa que es el momento en el que empiezan a aparecer figuras de todas esas rayas y líneas sin sentido en el dibujo.

Así el garabato no controlado por la vista es parte de la vertiente háptica, en la que el ojo no controla a la mano, la movilidad sin ver. Y por otro lado está la vertiente óptica, en la que la mamo está vigilada y juzgada por el ojo.

De esta forma necesitamos volver a nuestros orígenes, a ser niños para poder recuperar la confianza en nosotros mismos. Por eso ayer pintamos basándonos en la segunda etapa y hoy comenzaremos con la primera, para llegar a que emerjan del dibujo ciertas figuras.

Hay que comenzar a explorar el papel, ir probando poco a poco, tantear, hasta que aparezca una imagen fantasmagórica, intermedia entre la realidad y la imaginación, de la que surgirán las figuras.

Todas estas líneas de tanteo, tienen que veer con liberar la mano, el cuerpo y la mente. Es una tendencia emocional expresiva. Mientras que la icónica es más racionalista.

Para llegar a todo esto, debemos crear una madeja de líneas para que después podamos ocultar o recuperar las que nos parezcan más valiosas.

Antes de comenzar vamos a observar algunos de los cuadros de autores conocidos:

Obra de Dubuffet

Obra de Dubuffet

Obra de Dubuffet

Obra de Antonio Saura

Obra de Antonio Saura

Obra de Dubuffet

Mi dibujo

Jueves, 4 de octubre de 2012. Pintar a lo bestia, como niños.

Comenzamos una semana más de clase. Pero no es una semana más cualquiera, sino que ya hemos terminado con la presentación y es momento de meternos en algo mucho más nuestro.

Es el momento de comenzar a producir figuras.

Y uno de los mayores problemas de la producción de figuras, es el rostro, y sobre todo el autorretrato, así que de eso se trata de hacer nuestro propio autorretrato en el papel.

Casi todos al terminar los dibujos hemos podido comprobar que hemos representado lo más fielmente la realidad, eso sí, como hemos podido comprobar, en la mayoría de las veces sin ningún resultado acertado. 

Es decir que nos hemos dado cuenta de que estamos muy metidos en los convencionalismos, lo que nos parece lo más correcto a la hora de pintar un autorretrato cuando nos lo dicen.

Autorretrato

Por tanto, después de pensar en los trabajos que habíamos realizado, descubrimos que había dos vías de realizar el autorretrato, por la vía de intentar representar la realidad lo más fielmente posible; y por otro lado está la abstracción, el volver a ser niños y el dejarse llevar completamente por lo que tu cuerpo diga en ese momento. 

Es el arte a los bestia. El concepto Art Brut, es un concepto concebido por el artista francés Jean Dubuffet, que fue acuñado por Roger Cardinal como Arte marginal. El Art Brut es el término utilizado para describir el arte creado fuera de los límites de la cultura oficial. El interés de Dubuffet se dirigía especialmente hacia las manifestaciones artísticas llevadas a cabo por los pacientes de hospitales psiquiátricos. 

Para entender mejor este conceptio, veamos unos cuadros de varios autores.

Obra de Dubuffet

Obra de Antonio Saura

Obra de Dubuffet

Obra de Dubuffet

Y después de observar estas obras llega nuestro turno de ponernos a pintar.

Mi dibujo

Mi dibujo