Viernes, 28 de septiembre de 2012. Control del gesto

Para terminar la semana, continuamos con lo que empezamos el jueves. Para ello, vamos a hacer otro dibujo análogo al mismo cuadro de ayer de Boccioni, pero esta vez con blanco sobre fondo negro.

Seguimos trabajando en la idea de dar volumen a nuestros dibujos. Aunque también seguimos con nuestra línea de liberar la mano y el cuerpo y abrir el gesto y a la vez controlarlo. 

El cuadro de Boccioni, presenta unas operaciones leves e imperceptibles, con bandas vivas y con cierta sensibilidad. También hay que tener en cuenta que las líneas dialogan entre ellas, dando volumen a la obra.

Además, no podemos dejar el dibujo cerrado desde el principio, tenemos que ir poco a poco tejiendo nuestro dibujo.

Obra de Boccioni

Mi dibujo

El siguiente dibujo también se basaba en el cuadro e Boccioni pero esta vez había que meter color. 

Segundo intento

Primer intento

El último dibujo del viernes y de la semana ha sido análogo a otro autor; esta vez se trata de Fleischmann, un pintor alemán, quien en sus primeras obras desarrolló la búsqueda bidimensional y después elaboró nuevas composiciones de formas elementales.

La obra de Fleischmann que vamos a analizar es la primera de las siguientes imágenes. En esta obra se puede ver ese control del gesto y del cuerpo que estamos buscando.

Obra de Fleischmann

Obra de Fleischmann

Obra de Fleischmann

Mi dibujo

Jueves, 27 de septiembre de 2012. Subimos un escalón más

Tras tres semanas de trabajo, tomando los primeros contactos con la asignatura es el momento de empezar a dar un pequeño salto pero siguiendo en la línea de lo que estábamos trabajando. 

Es el momento de comenzar a pasar de las dos dimensiones y los dibujos planos a los dibujos con volumen, pero sin olvidarnos del movimiento, la tonalidad emocional y el gesto.

Seguimos, además, analizando el proceso de las obras de autores reconocidos para hacer dibujos análogos a esos. 

Hoy se nos presenta una obra de Boccioni, pintor y escultor postcubista italiano y principalmente exponente del movimiento futurista. Además, este autor muestra muy bien el movimiento en algunas de sus obras.

Obra de Boccioni

Obra de Boccioni

En estas obras de Boccioni podemos observar una sensibilidad, como el autor juega con el movimiento y va tejiendo poco a poco su cuadro. Para ello, sigue un proceso en el que nos tenemos que parar para analizar. Sobre todo, nos pararemos a analizar la segunda obra, que es la obra en la que nos vamos a fijar. En ella el autor utiliza ciertas capas y juega con la transparencia en entre ellas. 

Es una imagen de cierto balanceo y de tanteo, de movimiento blando, de curvas, que nos transmite una cierta relajación. Además las líneas no son homogéneas, cambian de grosor, incluso nos dan ciertos volúmenes, como partes del cuadro que parece que se salen. 

Incluso el autor juega con la presión que ejerce sobre el papel, siguiendo en la línea de la tonalidad emocional, para transmitir. La obra muestra una cierta complejidad pero no es caos. Para todo esto el autor ha usado todo su cuerpo, el movimiento de todo su cuerpo como estrategia.

Mi dibujo

Una vez terminado este dibujo, continuamos con otro autor, Romul Nutiu. Un artista que paso por el expresionismo abstracto y por el tachismo, un movimiento con origen francés. 

Romul Nutiu, en la obra que tenemos que analizar, trata los colores primarios: el rojo, el azul y el amarillo, unidos con el verde, los colores primarios puros.

Además, en este cuadro podemos ver el contraste con el anterior. Esta obra es más enérgica y sus trazos son más contundentes, como golpes, mientras que antes como hemos visto era un movimiento fluido.

Mi dibujo

Obra de Rumul Nutiu

Liberar y controlar el gesto

Después de varias semanas en la línea de trabajo de la relación entre la TONALIDAD EMOCIONAL Y EL GESTO y por otro lado, EL DIBUJO DEL MOVIMIENTO Y DE LA QUIETUD, vamos a continuar con esto hemos realizando un ejercicio fuera del aula de clase.

El ejercicio consistía en realizar unos dibujos, de forma análoga a como lo hizo Leonardo da Vinci pero traduciendo las imágenes de Turner a líneas, o haces de líneas paralelas, que muestren la fluidez del dibujo. 

Todo este entrenamiento nos llevará a ser capaces de liberar y controlar nuestro gesto a la vez. Pero es muy complicado conseguir liberarnos al pintar y a la vez controlar nuestros movimientos.

Los cuadros de Turner que debíamos traducir a líneas son:

Fuego en el mar (c.1835)

Tormenta de nieve sobre barco de vapor en la bocana del puerto (1842)

He realizado cuatro dibujos de cada uno de los cuadros con diferentes técnicas y diferentes tamaños:

Con rotulador y en DIN A6:

Fuego en el mar

Tormenta de nieve sobre barco de vapor en la bocana del puerto 

Con lápiz y en DIN A5:

Tormenta de nieve sobre barco de vapor en la bocana del puerto 

Fuego en el mar

Con bolígrafo y DIN A5:

Tormenta de nieve sobre barco de vapor en la bocana del puerto 

Fuego en el mar

Con pilot y DIN A6:

Tormenta de nieve sobre barco de vapor en la bocana del puerto 

Fuego en el mar

Algunos dibujos más que he realizado son:

Viernes, 21 de septiembre de 2012. El gesto y la tonalidad emocional

Continuando la clase del jueves, vamos a seguir manteniendo dos ideas fundamentales y que hemos estado tratando: 

- La relación entre la tonalidad emocional y el gesto. 

- El movimiento.

Las obras de arte siempre tienen un contenido, que depende de las emociones o los estados  de ánimo que el artista tiene, ya que se muestran en las obras; ya sea una postura muy activa y expresiva, con mucho movimiento, como podíamos ver ayer en las obras de Turner, o una actitud contemplativa, pasiva, como en autores como Zóbel, del cual hablaremos hoy.

Además, el pintor incorpora ciertos gestos dependiendo de sus emociones, ya que un autor no pinta igual con una actitud más agresiva, que  con una actitud más tranquila. 

Fernando Zóbel, es uno de los pintores españoles más importantes del siglo XX. Es un autor que se dedicó fundamentalmente a la pintura abstracta. Además, representa ambientes relajados, para lo que emplea también gestos más tranquilos.

Para llegar a nuestro dibujo, vamos a intentar quedarnos con un Zóbel genérico, es decir, esta vez no veremos una imagen concreta sino que vamos a ver muchas imágenes de obras de Zóbel para quedarnos con el procedimiento utilizado, más o menos común en todas las obras, y con esto poder realizar nuestros dibujos.

Obra de Zóbel

Obra de Zóbel

Obra de Zóbel

Mi dibujo

Mi dibujo

Jueves, 20 de septiembre de 2012. El gesto y la tonalidad emocional

Tercera semana que comienza hoy, segunda semana pintando. Nos tenemos que parar para pensar qué es lo que estamos haciendo y tomar consciencia de donde verdaderamente estamos. 

Comenzamos a pintar la semana pasada con la idea de liberar la mano y el cuerpo, pero esa idea sigue con nosotros, no podemos olvidarla y pasar a una nueva, sino que va una detrás de otra ligadas.

Hemos comenzado una iniciación en la creación arquitectónica dibujando, ya que dibujar tiene mucho que ver con el hecho de producir figuras. Pero ya no es sólo una pequeña iniciación sino que supone una traslación, un cambio o una transformación de lo que eramos antes de entrar en la universidad y hacia lo que queremos conseguir. Para ello tenemos que ser capaces de llegar a interiorizar todo lo que estamos llevando a cabo estas semanas.

El GESTO es muy importante, como se mueve la mano, la muñeca, el codo, el cuerpo... toda acción implica un movimiento y además un conocimiento. Por eso la POSTURA es un importante, igual que el MOVIMIENTO que llevemos a cabo, por eso el incidir en liberar la mano y el cuerpo y lo que conlleva.

Pero todo esto necesita de nosotros, tenemos que encontrar las habilidades corporales callados en nosotros mismos, y poder liberar nuestra mano encadenada al cuerpo. 

Debemos TANTEAR, un concepto que ya escuchamos la semana pasada, tantear como los creadores, aunque este proceso nos puede llevar a situaciones de incertidumbre que te hacen sufrir, pero que en algún momento puede quedar algo realmente bueno.

Yo ya me he preguntado más de una vez si esto era lo mio porque aparece una frustración de saber si lo que estás haciendo está bien o mal o no sabes que pasa; solamente debemos liberarnos y TANTEAR para poder llegar a crear.

También debemos retomar la idea de pintar como un proceso, con un soporte adecuado y un material que es fundamental para poder pintar bien, tenemos que dejar huella en un soporte. Y para eso el creador se ensucia, disfruta manchándose, fracasa, hace deshace... tenemos que ser un poco conscientes de que la mayor parte de las veces no dan resultados los dibujos, y esto es prueba y error hasta llegar al acierto. 

Y así sentimos las obras de los verdaderos creadores, de las que nos surgen sentimientos, pasiones, que nos ponen en movimiento. Movimiento que también conseguimos ver en las obras, obras poderosas y sublimes, que nos sorprenden y nos mueven algo por dentro. 

W.Turner

Como por ejemplo, el autor que vamos a intentar analizar hoy, que es Turner. Turner es un autor inglés que pintaba paisajes especialmente. Además se le consideró en su tiempo un artista controvertido pero hoy es un autor que elevó el arte de los paisajes a la pintura de historia. Es un artista que utilizó la naturaleza para pintar el caos controlado, con movimientos rápidos y controlados y casi siempre con acuarelas. Además se considera que Turner tenía ya algo de impresionista. Hay que ver como se mueven las cosas y el aire.

Obra de Turner

Ahora nos toca a nosotros una vez más comenzar a ver como ha conseguido Turner llegar hasta esa composición final. Para ello primero tenemos que intentar recomponer las familias de líneas que se presentan en la obra que vamos a pintar. Igual que hizo Leonardo Da Vinci al representar una tormenta como en este cuadro pero con líneas:

Tempestad en los Alpes

Dibujo de Leonardo Da Vinci

Para que podamos llegar a hacer una analogía al cuadro de Turner primero debemos plantearnos como Leonardo Da Vinci, el crear familias de líneas para esa obra.

Mi dibujo

Intentamos seguir los movimientos de ambos autores en cada caso para poder comprabar los grupos de líneas que se presentan en el cuadro para depués realizar nuestra propia obra.

Mi dibujo

Y ya después de reflexionar, analizar varias obras y aprender algo más conseguimos llegar a nuestro dibujo acabado, análogo a Tempestad en los Alpes de Turner. 

Mi dibujo

Viernes, 14 de septiembre de 2012. Liberar el cuerpo

Hoy, último día de la semana, vamos a terminar con el trabajo que empezamos el jueves para asentar un poco más todo lo que hemos estado hablando estos días. Para ello seguiremos con la obra de Twombly que comenzamos el jueves y que no pudimos terminar. 

Lo importante una vez más es el proceso con el que se realiza la obra, no lo que se ve una vez terminada, es decir, que hay que seguir un determinado proceso (el proceso que ha lllevado el autor para realizar su obra) para poder llegar a un dibujo análogo al que observamos.

Mi dibujo

B. W. Tomblin

Después de terminar este dibujo, vamos a cambiar de autor. Se trata una vez más de un autor estadounidense, Bradley Walker Tomblin, el cual comenzó como ilustrador de libros. Sus primeras obras tienen un estilo cercano al cubismo; pero después evolucionó hacia el expresionismo abstracto, utilizando colores como el blanco, el negro y el rojo. 

Una vez más debemos liberar nuestra mano y nuestro cuerpo e intentar seguir el proceso realizado por el autor para llegar a nuestro propio dibujo, eso sí, siempre análogo al del autor.

Obra de B. W. Tomblin

Mi dibujo

Jueves, 13 de septiembre de 2012. Comenzamos a pintar, a pintar con el cuerpo

Hoy es el primer día que nos enfrentamos a un papel en blanco en el que tenemos que pintar. Tan solo tenemos para ello algunas herramientas predeterminadas y algunos cuadros de un autor de prestigio, Cy Twombly. Es un autor estadounidense que pertenece a la segunda  mitad el siglo XX, al expresionismo abstracto, etapa dorada del arte americano. Pero antes de ponernos a pintar debemos pensar un poco. Pero ¿qué es pensar? pensar es DISCURRIR, FLUIR, que tus pensamientos se muevan, que las ideas vayan y vengan. 

Lo que significa que tenemos que TANTEAR, que probar las veces que sean necesarias para poder llegar a lo que buscamos, y equivocarnos, borrar y volver a hacer y así hasta que encontremos lo que queremos. Hay que ser creativos, no podemos representar la realidad tal y como la vemos sino que debemos inventar la realidad. 

El tantear nos lleva a la movilidad, al tipo que se mueve, al pintor. Los pintores son cuerpos en movimiento. TENEMOS QUE PINTAR CON EL CUERPO. Por eso la postura que tomemos delante del papel es muy importante, ese pequeño balanceo que tenemos que tener también para alejarnos un poco del cuadro y entrar en diálogo con él, igual que el gesto que mantengamos. Además cuando estas de pie y derecho el espacio se ve diferente a como lo puedes ver cuando estás tumbado, por eso las cámaras de fotos nos ayudan a ver la realidad objetivamente desde los diferentes puntos que queramos.

Y para ver ese gesto debemos LIBERAR LA MANO, haciendo por ejemplo garabatos, volviendo a la infancia, aquellos días en que solamente te preocupabas por reír, pintar, ensuciarte y poco más, por eso el pintar garabatos nos produce un gran placer, porque nos hace libres, nos libera de todo. 

Obra de Twombly

Además, en esta obra de Trombly podemos ver caligrafía, un rasgo que nos hace también únicos y diferentes a todos los demás. Y que muestra también nuestro temperamento, nuestros afectos, nuestros sentimientos y emociones... Pero para llegar a eso hay que ir descubriendo poco a poco como somos viendo a los demás, EXPLORANDO Y COMPARANDO, sin el autodidactismo que no nos lleva al acierto, para obtener esa confianza en uno mismo que necesitamos, la vitalidad. Y para poder encontrar un sitio en esta vida, sitio que buscamos como personas desde que nacemos. Solo queremos encontrar un sitio en el que seamos capaces de ser como somos, que podamos expresarnos libremente, un sitio en el que seamos sinceros con nosotros mismos.

Las emociones que nos transmiten las obras son causa del movimiento. Nosotros, al pensar, buscamos la causalidad de las cosas, el orden que tienen las obras al realizarse, el proceso, ¿cómo se han hecho?, por distintos planos, varias acciones sucesivas. Para eso es necesario una ordenación, producir un orden es diferenciar y jerarquizar, es pensar.

Y para terminar de pensar, hemos comenzado a pintar, a perdernos por el mundo del tantear, y de la movilidad de la que tanto hemos hablado y hemos comenzado a intentar liberar nuestro cuerpo o por lo menos nuestra mano, pero como ya anunciaba no es tarea fácil y quien lo crea que lo pruebe. 

Primero hemos observado una obra de Cy Twombly en la que aparecen simplemente garabatos, pero de una forma aleatoria, sino con un cierto proceso que el autor quiere darlos. Para luego tener que hacer una analogía de esta obra nosotros en el papel. Sinceramente cuando he visto esa hoja tan grande tan vacía solamente he pensado que no iba a ser capaz de hacerlo aunque hubiesen dicho que todo el mundo iba a ser capaz de realizar el ejercicio, pero una vez que tocas por primera vez tu herramienta en el papel la cosa cambia, y aunque no haya llegado a hacerlo de la mejor manera que pudiese, se que el próximo lo haré mejor. En este primer dibujo que he realizado casi que si que he vuelto a mi infancia a volver a hacer garabatos pero esta vez si que tenían algún sentido y aunque pareciera que no tenían su propio orden y razones. Las causas de las cosas, de los cuadros, los seres humanos siempre nos preguntamos, indagamos, investigamos para conseguir descubrir algo que nos desconcierta

Obra de Cy Twombly

Mi dibujo

Después hemos observado otra obra del mismo autor y hemos realizado la misma tarea. Y por último nos han puesto una tercera imagen con mucho más color que las anteriores y hemos comenzado a realizar la misma actividad pero nos hemos tenido que quedar a medias porque la clase terminó. Así que continuaremos mañana pintando de la misma manera que hoy o incluso algo mejor.

Mi dibujo